Alors qu’ils avaient annoncé la fin de l’aventure l’an passé, l’équipe du Horst s’est relocalisée dans une ancienne base militaire de Vilvoorde, au Nord de Bruxelles. Du 13 au 15 septembre prochain, le festival y mettra à l’honneur une combinaison prometteuse entre musique, arts visuels et architecture. À cette occasion et avant de les recevoir lors de la prochaine Paris Electronic Week, Technopol leur a posé quelques questions !

Pouvez-vous nous en dire plus sur vous ? Qui est derrière l’organisation du festival ?

Jochem Daelman, co-fondateur de Horst : Horst a débuté en 2014 par un groupe d’amis qui partageaient les mêmes passions : la musique électronique, l’art, l’architecture et les soirées. Comment expérimenter ensemble la création d’un festival ? Comment lui donner une valeur sociale ?

La musique a toujours été présente, mais nous voulions nous mettre au défi. Ne jamais répéter ce que nous avons déjà fait la dernière fois. L’architecture faisait partie de nos intérêts, même si nous n’avions pas vraiment les ressources ou les savoir-faire pour l’intégrer à nos projets. Les arts nous intriguaient et semblaient être le moyen le plus intéressant d’élargir nos horizons. Nous avons donc collaboré avec le bureau d’architecture Gijs Van Vaerenbergh pour la partie conservation des œuvres d’art et d’architecture de 2014 à 2018. À présent, dans les derniers jours précédant notre 6e édition, nous pensons que nous posons les bonnes bases pour devenir un mouvement à l’année plutôt qu’un simple festival n’ayant lieu qu’une fois par an. Notre nouvelle trajectoire de lab’ est un élément important à cet égard: il permet d’apporter une dimension pédagogique à travers laquelle nous voulons créer une plate-forme d’échange de connaissances afin de renforcer notre communauté. Nous considérons maintenant Horst comme un mouvement voué au développement des talents, des villes et des espaces. Nous mélangeons et célébrons les mondes des arts, de l’architecture et de la musique. Nous considérons nos laboratoires, expositions et festivals comme des moments d’énergie transformatrice.

Horst est dirigé par une grande équipe de bénévoles dévoués et généreux et Onkruid, un studio multidisciplinaire alliant une expertise en architecture, arts visuels, marketing, musique et culture.

Depuis la création du festival, quels sont les moments clés de votre développement ?

Jochem Daelman : Horst a toujours grandi de manière organique. Pourtant, chaque édition a suscité le même niveau d’enthousiasme et d’ambition au sein de l’équipe. La clé de notre développement a été la possibilité de travailler avec de multiples designers, architectes et artistes, tous talentueux et renommés.

Simon Nowak, programmateur musical : Ce que nous avons expérimenté et appris à valoriser, c’est que tout le monde a son propre objectif pour observer le monde, son métier ou sa vie.  Ce mélange d’idées et d’expériences a vraiment façonné Horst et notre équipe.

Resident Advisor a classé Horst Arts & Music parmi ses festivals préférés du mois de septembre à l’international. Comment expliquez-vous un tel succès ?

Simon Nowak : En tant qu’équipe, nous sommes toujours ouverts et désireux d’entendre de nouveaux sons, à la fois comme DJ et comme producteurs. Nous essayons vraiment d’apporter à notre public un large éventail de genres et de styles de manière à ce qu’ils aient toujours des artistes inédits à découvrir dans le line-up. Nous invitons des talents émergents qui échappent aux radars de la scène électronique. Tout en programmant également des noms bien plus connus, mais qui malgré leurs centaines de prestations par an sauront apporter de la fraicheur à leur performance ! Ainsi, nous essayons d’obtenir une programmation bien pensée et équilibrée dans laquelle les amateurs de musique peuvent plonger et errer d’une scène à l’autre, en écoutant toujours un spectre culturel différent que nous affectionnons tous beaucoup.

Avec plus de 25% des ventes de billets provenant de l’étranger, nous pensons que notre vision résonne auprès d’un public mondial, ce qui pourrait expliquer pourquoi Resident Advisor, l’une des plus grandes plateformes de musique électronique alternative, a choisi de nous inclure dans cette liste.

Comment avez-vous géré l’occupation du nouveau lieu du festival, ASIAT ? Comment passez-vous du conte de fées dans un château médiéval à la froideur et la brutalité d’un ancien complexe de bunkers militaires ?

Simon Nowak : Nous trouvons justement intéressant d’arriver à l’opposé de ce que nous a rappelle le château médiéval. Pour son projet de développement Vilvoorde-Nord, la ville de Vilvorde a récemment acheté ASIAT, un ancien site militaire doté de deux tours de refroidissement emblématiques en toile de fond.

Jochem Daelman : À terme, il deviendra un quartier doté d’installations et de fonctions publiques diverses. Les ambitions pour le site sont élevées et partagent une vision commune avec les objectifs de Horst, à savoir de développer des espaces et des villes avec un festival comme catalyseur. Le développement de ce site doit faire de Vilvoorde un lieu de rencontre animé près de l’eau et répondre aux besoins d’une ville en croissance rapide. Pour nous, ASIAT est la toile vierge parfaite d’expression pour Horst. Un espace à activer où infuser des initiatives artistiques, créatives et urbaines.

Evelyn Simons, conservatrice : Exploiter les locaux abandonnés d’une base militaire, dépassés par la nature, étaient un rêve. C’est un terrain en désordre, pas du tout lisse, mais rugueux et très ouvert. Les artistes se sont sentis très à l’idée d’intervenir ici.

Comment décririez-vous votre identité artistique ? Comment avez-vous sélectionné les artistes ? Est-ce le même processus pour la musique et d’autres domaines artistiques ? Les avez-vous choisis en fonction l’un de l’autre ou séparément ?

Evelyn Simons : L’identité artistique qui a été créée au cours des cinq dernières années à Horst consiste à rechercher des pratiques artistiques qui fonctionnent et résonnent dans l’espace public et urbain tout en repoussant les limites de l’art et de l’architecture par le biais de la scénographie. En ce qui concerne le premier aspect : c’est quelque chose que j’essaie généralement de rechercher dans les expositions : casser les murs du musée ou de l’institution. L’art peut être un instrument si poignant pour expérimenter des idées, des émotions et des interactions. C’est dommage de ne l’appliquer que dans des tours d’ivoire.

Ce qui m’a également attiré dans la collaboration avec Horst, c’est l’opportunité d’une double exposition : une exposition autonome tout au long de l’été, suivie de l’exposition de cette même exposition (modifiée ici et là) dans le cadre d’un festival de musique de trois jours. Il m’a incité à comprendre ce que rave et célébration collective veulent dire à notre époque – souvent morose.  Bien sûr, nous ne parlons pas des raves illégales des années 80 et 90 qui ont réussi à être véritablement transgressives, car elles réunissaient des personnes de différents milieux culturels et économiques. Je pense que faire la fête quand l’avenir ne semble pas si rose est une évasion, mais aussi un acte de résistance – montrer que nous n’avons pas peur. Voir la programmation musicale orientée vers une esthétique de la musique électronique, que l’on peut qualifier de sombre, a également été intéressant pour penser l’exposition comme expérimentale, déroutante, aliénante, réconfortante et séduisante. Quelque chose qui pénètre dans la peau, qui est parfois un peu inconfortable, mais si vous la laissez vous submerger, vous vivrez une expérience cathartique. Je voulais donc collaborer avec des artistes qui, chacun à leur manière, tiennent des propos quant à la façon dont notre société est actuellement structurée, mais le font de manière stimulante.

Lito Kattou et Manolis D. Lemos Je les ai rencontrés alors que j’étais à Athènes pour un autre projet et je les ai suivis depuis. Je suis intrigué par la façon dont ils véhiculent des situations dans lesquelles des éléments futuristes se mêlent à de l’archéologie naturelle et artificielle, évoquant ainsi la temporalité et la présence humaine sur la terre. Philip Janssens est quelqu’un avec qui je travaille très régulièrement, depuis que j’ai commencé à faire des performances. Je savais qu’il souhaitait mettre en œuvre son travail dans un contexte festif depuis très longtemps, donc c’était génial d’avoir enfin une plateforme pour cette collaboration. Les travaux de Caroline Mesquita, ainsi que de Benni Bosetto, Maarten Van Roy et Christoph Meier, j’ai commencé à les suivre plus ou moins récemment : en les voyant dans des émissions ou en ligne, et je suis devenue encore plus fascinée par eux alors que je travaillais sur l’exposition pour Horst. Ils se sont avérés bien correspondre à ce genre de contexte et leurs travaux ont amplifié l’atmosphère que nous voulions évoquer. Dans l’ensemble, c’était un processus très intuitif.

Pour les collaborations pour la scénographie des stages; Fala Atelier, Tomas Dirrix et Brandlhuber + ont été sélectionnés par mon collègue et fondateur de Horst Mattias Staelens, un architecte lui-même.

Enfin, Emeka Ogboh a été spécifiquement contactée pour les tours de refroidissement. Nous avons appris que nous y avions accès en avril dernier. Il était donc difficile de proposer quelque chose d’émouvant tout en apprivoisant une structure aussi dominante dans le cadre « Fallen empires and refound desire ».  J’ai vu l’installation d’Emeka The way earthly things are going  à Athènes la Documenta 14, et cela résonne dans tout mon esprit et tout mon corps. Depuis longtemps, je n’avais pas été confrontée depuis à une expression artistique aussi forte et poétique. J’ai donc eu beaucoup de chance qu’il accepte de collaborer avec nous.

MCDE, Marcel Dettmann, Mama Snake, Mall Grab, la liste des têtes d’affiche est vraiment impressionnante. Comment faites-vous pour donner de la visibilité aux newcomers ? Quelle place de votre line-up est également dédiée aux talents locaux ?

Simon Nowak : Opposées aux scènes à grande échelle pouvant accueillir des milliers de visiteurs, nous croyons vraiment en la force des multiples scènes plus petites et intimistes. Vous y avez l’opportunité d’approcher du booth et cela crée une énergie véritablement chaleureuse et positive. Nous espérons que cela incitera les gens à aller de l’avant et à découvrir les différentes scènes plutôt que de simplement regarder la timetable. De nombreux artistes, émergents, très talentueux qui se sont fait discrets vont avoir une opportunité en or de se produire. Il en va de même pour les actes locaux. Nous essayons de les pousser et de les valoriser, plus que les headliners déjà populaires.

Une autre chose à ne pas sous-estimer est le fait qu’à Horst, vous n’allez pas seulement voir et entendre un dj. Vous allez aussi apprécier la scénographie. La synergie entre la musique et la scénographie en fait vraiment une expérience 1 + 1 = 3.

Pourquoi est-il si important pour vous d’inclure l’architecture et les arts visuels dans la programmation musicale ?

Evelyn Simons : Le rapprochement de toutes ces disciplines repousse les limites et les ouvre à un débat pertinent car les gens ont tendance à être empêtrés dans leurs propres petits univers. Faire en sorte que les DJ soient en contact avec des architectes et des artistes visuels créant des pistes de danse, etc., est une approche qui permet à des personnes aux parcours différents de se rencontrer et d’échanger, et de remettre en question leur propre pratique ou même leur propre monde. De plus, nous ne voulons pas être un festival où l’art et l’architecture ne servent que de toile de fond. Il s’agit de l’art, de l’architecture et de la musique, tous vecteurs de création d’ambiances, de réflexion, de création d’une expérience collective immersive et immuable.

En conséquence, l’exposition avec son programme d’art et d’architecture existe également en dehors des trois jours du festival de musique, afin de lui donner son autonomie et de laisser à nos visiteurs et spectateurs le temps de venir creuser leur réflexion ou juste être seul avec les œuvres.

Esthétiquement, il s’agit d’utiliser ce symbole du pouvoir – une base militaire – envahie par la nature, abandonnée, effondrée : une place féconde où de nouveaux modes d’organisation nous permettent de prospérer. Les artistes voulaient mettre en valeur ce caractère désolé, dévasté, c’était la toile de fond idéale pour leurs œuvres de nature festive ; la célébration d’éléments organiques servant de talismans (Benni Bosetto); célébration de l’inconnu grâce à des étoffes drapées mystérieusement laissées derrière (Philip Janssens); de la poésie quotidienne et des formations fascinantes de la nature (Maarten Van Roy), de machine comme d’entités qui se choisissent qui s’aiment et sans se soucier des yeux qui jugent (Caroline Mesquita); d’animaux qui tentent de coexister et cohabiter dans un état naturel en mutation, une vie post-humaine (Lito Kattou), etc.

« Fallen empires and refound desires », pouvez-vous nous parler de l’exposition ? Comment le nom de l’exposition aide-t-il à évoquer son contenu, son approche esthétique ?

Evelyn Simons : Il existe en général un air du temps pessimiste et apocalyptique qui étouffe notre génération et qui continue de dominer le discours public. Si vous pensez aux nombreux politiciens extrémistes qui gouvernent actuellement notre monde, poussés par la corruption capitaliste, passifs ou même contribuant à des problèmes mondiaux tels que la crise humanitaire ou le changement climatique, vous seriez facilement cynique.

C’est ce dont parle Slavoj Žižek: à propos des cyniques qui sont moralement supérieurs en pensée (parler d’une distance rationnelle par rapport à ce qu’ils critiquent), mais complices de l’action (continuer à participer et à nourrir le «système» qu’ils critiquent). Nous ne pensons pas que cette approche est constructive. Au contraire, c’est une attitude privilégiée, irresponsable et pas très amusante. Cela ne nous mènera vraiment nulle part. Alors, peut-être que les « empires déchus » font référence aux systèmes auxquels nous ne croyons plus, les systèmes d’inégalité que nous voulons abolir. Même s’ils existent toujours et sont au pouvoir, les considérer comme non pertinents, espérons-le, contribue également à les rendre inapplicables, obsolètes et impuissants. Si tel est le cas, « refonder les désirs » fait référence à ce que nous voulons réaliser au niveau microéconomique. Connaître la macro est actuellement absurdement déprimant et sans espoir, les désirs commencent par nous-mêmes. Il s’agit de faire du bien, d’être cohérent, d’inspirer, de réconforter, de partager et d’être solidaire et tolérant les uns avec les autres – dans l’espoir d’avoir un effet d’émulation collective. Une force d’optimisme et de faisabilité renaissante.

Cinq ans après votre création, votre public est fidèle et ne cesse de croître. Devrais-je vous souhaiter les mêmes perspectives de croissance que vos confrères belges Dour et Tomorrowland ? Quels sont vos objectifs à moyen et long terme ?

Jochem Daelman : Horst est plus qu’un festival, il ne s’agit donc pas uniquement du nombre de visiteurs. Notre ambition est d’avoir un impact positif sur l’espace dans lequel nous sommes actifs et d’impliquer la jeunesse tout en le faisant. L’ambition est de rendre tous les aspects (festival, exposition, laboratoires) de Horst viables de manière à ce qu’ils ne perdent pas leur essence. Cela signifie croissance et potentiellement plus de partenariats, ni de manière excessive, ni en perdant notre âme.

Quelle est la particularité de la prochaine édition ? À part le savoureux brunch du camping, que ne devrait-on absolument pas manquer ?

Jochem Daelman : Personnellement, je suis très impatient de rencontrer les artistes, pas seulement les headliners tels que Marcel Dettmann ou Motor City Drum Ensemble… Si je devais mettre en avant deux de ceux qui se produiront au festival, je recommanderais facilement Giant Swan et Gabber Eleganza. Giant Swan propose toujours un live énergique avec beaucoup de machine, c’est une sorte techno improvisée. Gabber Eleganza, affilié au label Presto de Lorenzo Senni, est également à voir. Ils capturent les sons bruts et purs du hardcore et les combinent avec l’inspiration des sons rave et gabber. Ils offriront une performance unique, incluant des danseurs qui représentent complètement cette esthétique. À voir absolument !

Evelyn Simons : Tout en respectant ce que Gijs Van Vaerenbergh a mis en place, avec son programme artistique et architectural croisé par lequel nous remettons en question l’approche de la scène et du dancefloor,  nous avons quatre scènes innovantes cette année. C’est d’ailleurs la première fois que nous en aurons un en intérieur. Brandlhuber + intervient de manière très minimale dans un vaste entrepôt : un espace déjà doté de murs, d’un plancher et d’un toit, qui permettait une approche très expérimentale.

Et une dernière surprise : il y aura un karaoké !

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